취미미술 온라인강의

색채에 대한 지식은 그림을 제작 하는데 있어 우리의 감정을 실어 표현할 수 있는 아주 좋은 도구입니다. 색채의 언어는 일종의 어휘로써 우리의 감성을 설명하는데 아주 중요합니다. 여러분들은 빨간색을 보면 어떤 감정이 느껴지나요? 정열, 분노, 뜨거움, 또는 생명…. 그렇다면, 녹색은 어떨까요? 질투, 초원, 생명, 아니면 답답함….. 우리는 또한 밝고 찬란한색 이나 어두침침한 색에 대해서도 표현해 볼 수 있겠지요. 회색의 하늘을 보면 우리는 때로 울적해 질 때도 있을 겁니다. 영어 식 표현으로는 ‘Blue’ 라고 하지요.

Sunflowers 1888 Vincent Van Gogh

The Tragedy 1903 Pablo Picasso

 빈센트 반 고호의 작품들 속에서 우리는 그의 본능적 색채이론(Instinctive understanding of color theory)을 경험 할 수 있을 겁니다. 그의 ‘해바라기(Sunflowers)’ 가 있는 정물에서 그는 희망과 기쁨의 감정을 표현 하기 위해 아주 따뜻한 색들을 사용했습니다. 그와 반대로, 우리는 파블로 피카소의 작품 속에서 좀더 의식적 색채이론(Conscious use of color theory)이 사용되었다는 것을 볼 수 있습니다. 피카소는 그의 ‘청색시대’ 작품활동 시기에 주된 주제였던 슬픔의 지독함과 비극 속의 절망감을 불러 일으키기 위해 의도적으로 차가운 색상을 사용했습니다.

The Pool of London 1906 André Derain

앙드레 드랭은 위의 그림에서 조선소의 소음과 바쁜 움직임을 표현 하기 위해 따뜻한 색과 차가운색을 충돌시켜 사용했습니다. 그는 전경에는 강한 톤을 사용 하고 배경으로 갈수록 점차적으로 약하게 함으로써 화면에 깊이감을 창출해 내었습니다. 풍경화에서 이러한 톤의 사용기법을 ‘대기 원근법’ 이라고 부릅니다.

 

드랭은 ‘야수파’라고 불리우는 그룹에 속한 화가로써, 그들은 마치 야수처럼 거침없이 난폭하리만큼 대담한 색깔을 사용함으로써 ‘야수파’라고 하는 별명을 얻게 되었습니다. 그들은 색깔은 감정과 직접적으로 연관되어있다고 믿었고, 가능한 한 극단적으로 색을 사용하는 것을 너무너무 사랑했지요. 그들에게 있어서, 색깔이란 더 이상 주제를 설명해 주기 위한 보조적 기능이 아닌 표현하고자 하는 주제에 대한 감정을 직접적으로 드러내는 감정의 분출통로 였습니다. 그들의 그러한 생각들은 다음세대 화가들에게 색깔 사용에 대한 자유를 부여했고, 궁극적으로 색깔 그 자체로서 주제가 되는 실험을 할 수 있는 자유 또한 선물 했답니다.

Rainbox 2005 John MacTaggart

 저는 지금 미국에 살고 있습니다, 한국에선 약 15년여 동안 학생들을 가르쳤었고, 미국에서 유학 생활을 통해 미국의 미술 교육을 경험 하였습니다. 제가 한국에 있을 땐, 그림 그리기를 좋아하고, 그림을 취미로 하고 싶은 사람들을 위한 서적도 많지 않았고, 또한 체계적이고 제대로 된 교육도 받기 어려웠었지요…

대학에 진학 하거나, 아니면 학원을 다녀야 하지만, 대부분의 미술학원들이 입시 위주의 교육을 지양하고 있기 때문에 설령 그림을 작정하고 시작 하지만, 아그립파 뎃생, 정물화나, 풍경화 또는 유명작가의 임화(베껴 그리기)나, 인물사진 몇 장  그려보다 “ 그림의 길은 멀고, 인내심 만이 날 버티라 하는구나….” 라는 벽에 부딪치는 분들을 많이 보아 왔습니다.

미국에서 생활하면서, 그들이 누리고 있는 교육의 여건과, 방대하고, 체계적인 자료들에 항상 부러움을 느끼면서, 언젠가는 좋은 책을 만들어서 미술에 입문코자 하는 분들에게 생명력 있는 그림 그리기를 선물하고픈 생각을 버릴 수 없었습니다.

우선 이 블로그를 통해서라도, 일단 시작 해보려 합니다. 생활이 바쁘고, 다소 어려움도 있지만, 그림을 사랑 하시는 여러분들에게 제가 먼저 다가서려 하고, 소통하고 싶습니다. 이런 과정들 속에서 좋은 산물도 나올 것 같고, 저 엮시 생각치 못했던 많은 것들을 배울 수도 있을 것 같단 생각입니다.

자!!!!! 그럼 우선 기초 이론에 들어가기 전에 몇 가지 중요한 점들에 대해 조언해 드리고 싶습니다.

1. ‘잘 그린다’, ‘못 그린다’ 의 기준이 무언가?

   초등학교 1~2학년 이후로 그림에 대한 자신감을 잃어 평생그림 그리기를 포기하고 사시는 분들이

   많습니다.왜그 럴까요? 그것은 자신이 그린 그림과 대상이 닮지 않았다고 느끼기 때문일 겁니다.
   대부분의 사람들은 자신이 그림을 못 그린다고 생각 합니다. 그 이유는 닮지도 않고, 선도 깨끗하게

   그어지지 않아 지져분 해지고…등등 이라는군요.

피카소<우는여인>

이중섭<소>

고호<해바라기>

           그럼, 질문 하나 할께요!
           여러분 들은 ‘피카소’의 그림을 잘 그려진 그림이라고 생각 하시나요?
           ‘이중섭’ 화백의 ‘소’ 그림은 어떤가요?
           유명한 화가 ‘고호’의 해바라기는 어떻죠?
           대부분의 사람들이 갖고 있는 ‘잘 그렸다’의 관점에서 보면, 그리 후한 점수를 주기 어려울 겁니다.

한가지만 더 질문해 볼께요!

세상에서 가장 아름다운 꽃은 무엇이지요?

‘장미꽃’ 인가요?

‘할미꽃’은 어때요?

이쯤 하면 제가 무슨 말을 하려는지 눈치 채시리라 믿습니다.

그렇죠! 누구도 절대적으로 이야기 할 수 없다는 거지요!

다시 원점으로 돌아가서…..

물론 그리는 대상과 닮는다는 건, 여러 사람으로부터 감탄을 자아낼 만큼 가치가 있지요,

하지만, 닮게 그린다는 것은 그림을 잘 그린다 라고 하는 커다란 영역 속에 작은 일부분일 뿐이거든요...

한 요소일 뿐만 아니라, 위에서 이미 열거한 거장들의 작품을 통해서도 입증 되었듯이 전혀 닮지 않아도

잘 그려진 그림일수 있다는 걸 잊지 마세요.

그런데 의문이 생기죠? “그래도 뭔가 있으니까 대가라고 평가 받는 것 아니야?” 맞아요!

깊은 이야기는 차츰 하기로 하고, 오늘은 이렇게 생각하시면 어떨까 하네요….

그림은 자기자신의 삶 속에서 발견한 자신만의 이야기 꺼리를 미술적 언어를 통하여,

가장 자신스럽게 표현해 내고, 그 진정이 사람들의 마음속에 무언가로 남겨져

하나의 소통이 되고, 의미가 되고, 적어도 자신에게 만이라도 추억 될 수 있다면,

그건 잘 그려진 그림이라고, 말 하고 싶습니다.

결론적으로 닮게 그린다는 것은 그림의 한 부분에 불과하고 더구나 초보자 입장에서는 그 부분에 너무

집착 하다보면, 쉽게 흥미를 잃기 쉽습니다. 그런 이유로 자칫 그림을 포기 하는 경우를 종종 보아왔습니다.